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许勇笔记

创作札记
我认为自己只不过是一只落在枝头上的乌鸦，只要我一翘尾巴，人们就知道我想飞向哪里��既然没有什么“隐身草”可用来遮挡我充满过错的肉身，那么，诚实、坦白，就是我唯一可能抓住的自救稻草了。艺术只不过是艺术家生活的副产品，我尚能认识这种宿命。我无法在自己的绘画和文字中美化自己。因此，真情、朴素和通俗就成了我终极的目标追求。我要用最简单和最直接的方式传达感受和表现自我。

我愿意在生活中和在绘画中与所有的男人和女人们平等交谈，因为我深知，我所看到的，他们也看到了，我所体验过的，他们也体验过了。

但愿在我的作品中永远没有云山雾罩的神秘和高深莫测的哲理。

美院的课程对我影响最大的是人体写生。女人 —精彩的世界，当我第一次对着模特儿写生时，就感受到了这一真理。女人体上那神秘的起伏，变幻的光影，流动的色彩，蜿蜒变化的线条 —唤起了我空前的绘画激情。

我的绘画创作，不少得益于来自动物画和女人体写生赋予的营养。我自认为：如果动物画构筑了我绘画最初的骨架，而女人体写生则日渐使之血肉丰满。

未完成和缺陷，在美学中越来越为人们所接受，恰似未完成交响曲和断臂维纳斯。未完成和缺陷给人的启示是：自然和时间的磨砺，以及表现塑造上的余地，将艺术品带入神秘空灵的更高境界。

画家只有通过写生去拥抱自然，捕捉生命，才能呼唤出自己。

青春的女人体，无不显露出动人的曲线， S形节奏，表现了生命和运动的和谐。

绝大部分杰出的画家都以这种或那种方法运用线条而取得某种效果。线条成了绘画最有生命力的因素，从某种意义上说，画家的风格，即画家运用线条的方法，即他的笔法。

各个时代，一切种族，都把年轻漂亮的女性裸像作为绝对美的偶像。从整个艺术史来看，维纳斯是个永恒的存在，美丽丰满的女人胴体，一向以其至高的审美价值为艺术家们所追求。而动物画则很可能是人类绘画行为的发端，分布于世界各地的原始岩洞绘画，都证明这一点。

对着同一模特儿写生，画出来的各不相同，因为在这里加入了不同人的向往和追求，不同人的个性和气质，不同人的心理和生理历程��而最有价值的，就是这之间的不同，不同的就是生命。

我是以一个异性角度来观察和描绘女人体，我热烈崇拜我所画的模特儿。在画的过程中，我从来就是激情多于技巧。

作家常用动物来比喻对人的感觉，托尔斯泰在他的《战争与和平》里把少女索妮娅比喻成一只“不大不小的半大子猫”，贪玩并且天真；杰克 ·伦敦在他的《波波徒克的机智》中，把一个印第安姑娘描写成一只小鹿，她美丽温柔的眼睛，她灵巧的双脚��巴尔扎克把高老头的大女儿说成像一匹高大美丽的纯种马；蒲松龄在他的《聊斋志异》中塑造了那么多俊美、乖巧、善良、多情的狐狸少女��

每当在画室中，女模特展开腰肢，周身散发出青春无限的美和魅力时，我才真的明白，为什么历史上留下了那么多不朽的艺术品，产生了那么多大师，巨匠。

美丽的色彩和谐，迷人的空间暗示，引人注目的细节刻画，都能使人猝然一惊。
　
画人体的技能是画家所必备的，通过人体写生来获得敏捷的造型能力，以人体作为理解大自然外形复杂的基础。

　无论是动物，还是人体，蕴藏着大自然无穷的美。

　深入地熟悉和研究一下动物吧，这也正是深入接触和探索大自然的奥秘，对千姿百态的动物的研究，将扩大我们对美的领域的接触，丰富我们的艺术语言和表现能力。

　       在写生中唯一应采取的是模特儿的自然姿态，任何智慧和摆弄出的动态和姿势，都会破坏人体各部分间的和谐关系。
　感情和表现感情的线条是不大容易伪造的，一个画家在画线条和色彩时，不知不觉地使他自己的性格和情绪流露出来，即所谓画如其人。
　技巧应该与呼吸一样自然，成熟的技巧应使画家自己和观察者都觉察不出。
　我无法改变自己的天性、本能和偏爱，因为这些是发生在我头脑和记忆的最深处。因此我认为最好的文学是说真话，而最好的绘画是写真情。
　素描正如一座建筑的地基，各家各派正如建筑的外形，你喜欢怎样的形式，就设计怎样的形式，但地基却必须结实。
　流动的生活，瞬间的气氛，变幻的场景，活的模特儿��要求画家采用尽可能迅速，简要，明确，强烈的手段直接地传达自己的感受。
    在写生中，“拳不离手，曲不离口”的劳动，其动力来自对生活和自然的热爱，因为只有热爱才能给予你以行动的意志，创造的激情以及持久的毅力。
　对于艺术家来说，真诚和热情是重要的品格，美是真诚中产生的，而热情为它镀上了金，于是就更加光辉灿烂了。
    我们操着画笔，运用线条和色彩来表达我们的感情，像我们操着舌头，运用嗓音说话一样，一切原始，十分自然的，无须造作和修饰，我们所需的是真诚的表达和自然的流露。
　在写生过程中，画家的行为带有很多自然的、下意识的，天性和灵感的成分，这种成分在孩子和大师的行为中占主要地位，因而也就越能在他们的作品中呼吸到醇香的艺术气息。
　速写和草稿具有一种透明和灵活的特质，最能表现画家的天才、特点和心灵。　
    喜欢唱歌的人很多，却不一定都是好歌手，但毕竟所有的歌者都愿意在自己成长的地方为自己喜爱的人们歌唱，我的画作就是为你们献上的歌。
    我一向深信人们和自己的直觉，因此我确信我的真情能被理解，甚至我的笨拙也会被喜爱，“真诚”的“笨拙”是我为人和绘画的一大特点。
    我愿意用尽可能简单和尽可能直接的形式去表现自我和揭示主题。
    我究竟画了多少画和损失了多少画，我自己也说不清楚。但我从来就把绘画作为自己表达情感的主要方式。

我的老师
    汉代石刻—气势深沉雄大，手法单纯简洁，高度夸张的汉代石刻所显现的心胸开阔、一往无前的气势，给了我深刻的影响。画像砖上个个生龙活虎，神采飞扬的骏马，特别是突出剪影块面的阳刻，在构图的布局和黑白构成上给予我巨大启示。
     唐三彩—造型雄伟、原始，色彩绚烂华丽，充分体现了东方盛世气势的唐三彩，以其鲜明特点，在人类鞍马艺术中独领风骚，它为我开拓了一个五彩缤纷、喜庆祥和的鞍马世界。鲁本斯和德拉克罗瓦—我喜欢鲁本斯对
     生命的那种富丽、健康的赞扬，更喜欢德拉克罗瓦笔下那狂放、张扬、激情。在画马的过程中，我曾认真的学习和模仿过他们。
     吴道子和徐悲鸿 —运用线条是绘画最具生命力的手段，而以顾恺之和吴道子为首的中国大师以及他们历代的继承者，特别是永乐宫壁画，在线的运用上给了我决定性的影响。我喜欢徐悲鸿的马，他所表现的悲壮情怀总能深深地打动我。我认为，这恰恰是自汉代以来，整体民族精神的发扬。
    霍去病墓石刻和昭陵六骏 —我热爱黄钟大吕的民族风格。我所追求的是大汉的彪悍和盛唐的圆实。霍去病墓石刻和昭陵六骏所留下的汉唐古风，在我面前永远高耸巍峨，魅力无穷。经常给我一种不可企及的感觉，但更引导我永不停止地去攀登。

我的课堂

辽阔的蒙古草原 —我喜欢驰骋于辽阔草原，矮小彪悍的蒙古马 —这种能够适应恶劣生活条件的北方马种，体形瘦俏，机敏灵活，富于变化，特别入画。在马群旁，蒙古包前，那达慕上��我从未停过画笔，甚至在风霜雪雨中，我也从不放弃记录他们的机会。

北方农村的大车队 —我喜欢身负苦役跋涉于田间的农村马。“文革”后期下乡劳动，我有幸曾有过三年赶马的经历。在此期间虽然未曾动过笔，但我却认为这是我最珍视的一段经历，就像有些人曾当过兵，打过仗��

鞍马画
如果说在画马上我有所建树的话，那就是我对鞍马画的表现。与我的前辈徐悲鸿所处的国难当头的时代不同，我是生活在祖国繁荣昌盛的新时代，在画马上我无法达到他的那种奔赴沙场的悲壮。而我渴望追求的是饱满、充实、积极向上的盛世气魄。
我在致力于一种属于自己的样式 —构图平稳开阔，笔墨清新明快，色彩富丽斑斓，一种雅俗共赏，健康喜庆的民间情趣。

谈谈技法
多年的创作和教学经验使我体会到，以“抛砖引玉”为目的的技法是可取的。因为严格地说，技法像指纹一样具有“惟一”和“不可重复”的性质。你只能说，我是如何做，而不能一厢情愿地让别人和后来者也如何做。

   我认为可取的是：
   第一，向你喜欢的大师（不是所有的大师）学习，“喜欢”就能证明你身上必定会有他们的精神基因。
   第二，追求你向往的风格，因为“向往”必定与你的性格、气质有关。
   第三，热情地拥抱自然，因为只有这样才能召唤出你自己。
   对着同一匹马写生，画出来的却各不相同，因为在这里加入了不同人的向往和追求，不同人的个性和气质，不同人的心理和生理历程。而最有价值的，就是这之间的不同，不同就是生命。
   小品画
   中国画中小品画是人民大众喜闻乐见的形式，单纯、轻松、简洁、空灵是小品画应有的特点。
   画家的小品恰似作家的随笔，应当随时表达画家的笔法和心境。
   我在画小品时比较注重动感和生气，但在笔墨情趣上我却有很多不足，而笔墨情趣恰恰又是小品画的重要因素。

画马
    听母亲说，有匹天马不知闯下什么祸，被天神砍下了头，而他的身子就奋力逃到我家村子附近的一座山岗上化为巨石。从此这座山岗被命名为“石马岗”。当我四五岁刚能记事时，常去这个山岗，带着一种糊涂，莫名的崇敬和同情，呆呆的仰望着这匹巨大的无头的石马��
    也许就因儿时这种模糊的记忆，使我与马结下了不解之缘。从学生时代到教学、创作、写生，在几十年的艺术道路上，我从未离开过马。恰巧妻子属马，同事玩笑曰：“爱马，画马，一生伴马。 ”
    真的，我对画马有着执着的偏爱，我多次奔波于昭乌达和锡林郭勒，反复涉足于辽西和辽南；或夜以继日地待在马棚里，或长时间的伫立于塞外的寒风中。我用画笔追逐过牧民的坐骑，农民的车队和欢蹦的小驹，在我的主题画、历史画、连环画的创作中；在我的油画、小品画甚至没有中标的纪念性雕塑稿子中，马一直是作为重要的角色出现。我早把画马当作不可抗拒的欲望和命运接受下来，为了儿时的记忆，为了家乡，母亲和那尊无头的石马，我常在自己的名字前面加上“石马岗人 ”几个字。

草图和素描稿
让思绪通过线条和黑白在纸上漫游，充满激情和憧憬上下求索是创作的早期行为，也是画家最惬意的时刻。因此，创作草图和素描稿往往比界定分明的画面更具魅力。画家常常未能体现第一感觉和最初的印象而困惑。未完的东西常比完成了的包含的内容更多。草图和素描稿的价值就在于 —他能体现绘画的过程，是还在成长的活的画面。

自《中国书画》09年01期

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